Фотография Валерії Ландар / Театр ім. І. Франка
О спектакле и его постановщике
Впервые я увидела театр как потребность собственной жизни, когда начала изучать сценическое искусство. С тех пор посещение новых постановок в киёвских театрах для меня стало необходимостью. Одной из таких встреч стала постановка Коріолан у Національному академічному драматичному театрі імені Івана Франка, поставленная главным режиссёром театра Дмитром Богомазовим.
В творческом наследии режиссёра уже есть немало обращений к Шекспіра, что подчёркивает его интерес к классике и умение находить современные оттенки в хорошо знакомых текстах. Например, в списке работ упоминаются Сон літньої ночі (2003), Отелло (2004), Гамлет (2009), Дванадцята ніч (2017). Коріолан из репертуара 2018 года также получил и признание зрительской аудитории, и положительные отзывы критиков.
Важно отметить, что после начала повномасштабного російського вторгнення восприятие спектакля приобрело иные смыслы для многих українців. История, которая раньше казалась далёкой, теперь звучит удивительно близко по времени и по месту.
Сценография: от древности к вне времени
С первых мгновений на сцене прослеживается отсылка к Давнему Риму. Величественная статуя воина, бассейн, облицованный плиткой — эти декорации сразу погружают в соответствующую эпоху. Однако другие элементы, такие как широкая прозрачная штора, экран или рояль, делают пространство вне времени. Такое сочетание исторического и современного создаёт ощущение, что драма героя происходит одновременно на разных уровнях.
Статуя воина выполняет несколько символических функций. Сначала она репрезентирует подвиг и величие будущего Коріолана. Это каменное, холодное воплощение его славного образа в глазах других. В дальнейшем образ статуи приобретает пророческое значение: во второй действии она предстаёт обезглавленной, что предвосхищает трагический конец главного героя.
Атмосфера и технические средства
Дмитро Богомазов выстраивает на сцене мир отчуждения и одиночества. Гулкое эхо, усиленное микрофонной техникой, приглушённая мрачная музыка, тусклый свет — всё это сработало на то, чтобы усилить ощущение изоляции Кая Марція. Такая работа со звуком и светом не только подчёркивает внутреннее состояние героя, но и вовлекает зрителя в атмосферу, где эмоции ощущаются физически.
Костюмы, цвета и символы ролей
Костюмное решение в спектакле не претендует на историческую аутентичность, но именно в этом его сила. Одежда персонажей лишена чёткой хронологической привязки, что позволяет зрителю читать образы как универсальные. Цветовые решения в костюмах выполнены как условные маркеры социальных групп и эмоциональных состояний.
- Суспільство Риму представлено как разрозненное: каждое сословие имеет собственный цветовой знак.
- Войско Авфідія одето исключительно в чёрное, что делает его однородной тёмной массой.
- Семейные женщины героя часто появляются в светлой одежде, символизируя чистоту, любовь и человечность.
Сам Кай Марцій предстаёт в контрасте с окружающим миром: для одних он — холодный камень подвига, для других — человек, которого любят и о котором заботятся близкие. Этот контраст подчёркивает разрыв между личным и публичным образом героя.
Народ, трибуны и трагедия ответственности
В спектакле народ не показан как однородный интеллектуальный субъект. На сцене он исполняет роль, часто сводящуюся к марионеточности под влиянием трибунов. Группа людей в оборванной одежде выглядит обнищавшей и беспомощной. Речь и движения этой толпы воспроизведены таким образом, что они создают чувство страха, неуверенности и зависимости от чужой воли.
Эта образная сцена напоминает, насколько опасной может стать серая масса, которая не умеет критически мыслить. В спектакле это превращается в орудие политического уничтожения выдающейся личности. Такой месседж особенно остро резонирует с гражданами в свободном государстве и предупреждает о рисках подчинения бездумным настроениям.
Трагедия Коріолана в центре — это трагедия человека, который берёт на себя ответственность в критический момент. Он жертвует собственными интересами ради общего блага, но при этом остаётся уязвимым. Возвращение к мирной жизни не снимает потребности в заботе и внимании, которые нужны тому, кто защищал других. В сценическом решении этот переход усиливается сменой надписи на заднем плане с MORI на AMORI, что символически переносит зрителя от темы смерти к теме любви.
Актуальность, національний підтекст і власні враження
Для меня постановка раскрывает тезис, что героем не рождаются, а становятся. Качества, которые делают человека героем — мужество, доблесть, решимость — формируются в ответ на потребность защитить собственный дом. Сегодня современные українські воїни, защищая землю, воссоздают этот древний подвиг и добавляют к нему новые смыслы.
Интерпретация Дмитра Богомазова наполнена глубоким національний підтекстом. Именно эта сила шекспирівських персонажей в исполнении актёров Франкового театру не оставила меня равнодушной. Спектакль работает одновременно как личная и политическая драма, позволяя проводить параллели между текстом Шекспира и сегодняшними вызовами України.
С технической точки зрения постановка тонко балансирует между символом и реальностью, оставляя пространство для мысли и эмоций. Это спектакль, который стоит увидеть не только ради эстетического впечатления, но и ради возможности задуматься о роли личности в обществе и о цене ответственности.
Рецензия была написана в рамках онлайнового проєкту Сценічна шекспіріана: майстер-класи з театральної критики (січень–лютий 2023) за участі провідних шекспірознавців Європи. Співорганізаторами майстер-класів виступили Європейська асоціація шекспірознавців (European Shakespeare Research Association), Український міжуніверситетський науково-дослідницький шекспірівський центр, Національна спілка театральних діячів України та Інститут літератури імені Т. Г. Шевченка. Авторка вдячна Франчесці Рейнер (Francesca Clare Rayner), Вероніці Шандл (Veronika Schandl) та Кристі Карсон (Christie Carson) за уважне прочитання тексту та цінні поради.
